Так і було... Red Itiner 2020

Ель-Растро — це культове місце в Мадриді, яке об’єднує руїни та всілякі об’єкти, які, здебільшого, вже пережили одне чи кілька життів. Це предмети, які накопичують досвід і спогади у вигляді пилу, слідів використання або наявності зображень. Виставка «Archivo Rastro» — це проект, який виник у результаті привласнення та втручання різними митцями у фотографічний архів, створений шляхом придбання, оцифрування та каталогізації негативів і слайдів, знайдених у Rastro в Мадриді.

Понад 3.000 зображень, що склали архів, які спочатку відповідають різним форматам – слайди, 35-міліметрові негативи, середньоформатні та стереоскопічні фотографії, серед іншого – були передані різним художникам з ідеєю дослідити відносини, створені між постачальником інструменту та його автором. Таким чином, художники Ферран Пла, Крістіна де Міддел, Мігель Анхель Торнеро, Антоніо М. Шубанова, Colectivo PIPOL і Ніколас Ф. Каллавей надали нового значення та сенс зображенням, повернувши їх до життя після того, як вони перебували в латентному стані в Rastro.

комісарів: Луї-Шарль Тіар, Каті Бестард і Марта Сесе

Ця виставка складалася з добірки фотографій Беніто Романа, автентичного портрета десятиліття, в якому іспанці відкрили віру в себе. Політичним інструментом було проголошення закону законів, Конституції, яка, незважаючи на різні критерії прийняття, становила автентичну об’єднуючу силу суспільства, що прагне гармонії на новому політичному горизонті.

В історичному розвитку минулого століття важко знайти епоху, настільки насичену соціальними, економічними та політичними змінами, які перетворили час диктаторської темряви на світло демократичних і святкових емоцій. У той час Беніто Роман, як прес-фотограф, був сповнений рішучості записувати повсякденні події, здавалося б, несуттєві події, які, однак, нитка часу та цемент пам’яті перетворили на найкращий наочний опис соціально-політичних змін у цій країні.

Отриманий портрет зобразив регіон Мадрида як дзеркало всієї Іспанії, об’єднуючу силу нетрі і хмарочосів, профспілкових діячів і роботодавців, мирян і релігійних людей, героїв і лиходіїв, яких сито часу перетворило на дружніх героїв розбіжностей, подоланих у цьому трансі. Переоцінка політики як управління колективною щедрістю, викованою в Конституції, сентиментальна прогулянка нашою пам’яттю та визнання соціально-економічного прогресу, про який часто забувають у гарячці щоденної безпосередності.

Комісар: Чема Конеса

Джонатан Свіфт (1667-1745), письменник, який через час, у якому він жив, був свідком подій, які мали вирішальне значення для сучасності його країни, Англії, таких як розвиток ментальності, яка поставила під сумнів авторитет стародавньої мудрості, або початок політичної гегемонії цієї країни. Це також був час великого процвітання для подорожей у найвіддаленіші місця земної кулі, що дозволяло європейцям відкривати різні ландшафти, флору, фауну та культури та порівнювати їх зі своїми. У цьому контексті він написав «Подорожі Лемюеля Гуллівера в кілька віддалених країн світу», опубліковану в 1726 році та більш відомий як «Мандри Гуллівера».

У цій, найвідомішій книзі свого автора, панує релятивізм і глибокий песимізм, наділений певним почуттям гумору. Його вважають пригодницьким романом, який, як і «Дон Кіхот», дозволив подвійне прочитання та одразу отримав популярність, досягнувши трьох видань за один рік. У 2004 році видавництво Galaxia Gutenberg і Círculo de Lectores замовили художника Гільєрмо Переса Вільялту створити 100 ілюстрацій до видання великого класика, публікацію, яку він виконав, відображаючи її фантастичний оповідний вимір, оригінали якої демонструються на цій тимчасовій виставці.

Сто акварелей змогли передати суть тексту Свіфта, який є не класичним твором молодіжної літератури, а сучасною політичною, моральною та соціальною сатирою. Увага до деталей, політ уяви та поєднання формальної краси та дивовижних історій роблять цю серію акварелей виставковим проектом, який поєднує літературу, мистецтво, освіту та розваги.

Гільєрмо Перес Вільялта належить до групи художників так званої Нової мадридської фігурації. З’явившись у 70-х роках, він складався з більшості андалузців, які отримали освіту в Мадриді. Його живопис пройшов багато етапів, від дослідження власної біографії, використання класичної та християнської міфології тощо. До цього ми повинні додати особливу просторову чутливість, отриману від його навчання архітектора. Небагато художників представляють, як він, той споконвічний спосіб дивитися на повсякденні реалії, які нас оточують. Перес Вільялта зберіг ту радісну здатність дивуватися тому, що нас оточує, що робить його ідеальним художником для ілюстрації такої багатогранної історії, як робота Свіфта.

Цей виставковий проект народився з мистецької дії онлайн «У цей день в історії», особистий проект художниці Діани Ларреа (Мадрид, 1972), який полягав у періодичній публікації біографій і робіт історичних художниць у соціальних мережах. Ця акція переоцінила та виправдала роботи сотень жінок, які були проігноровані або віднесені до маргінального положення в історії мистецтва. Це історичний огляд, зосереджений на відновленні жіночої художньої творчості, яка була відкинута та мінімізована гегемоністським андроцентричним дискурсом.

З цієї акції Діані Ларреа вдалося зібрати архів із 450 візуальних художників на той час, який зібраний в Інтернеті www.taldiacomohoy.es для консультації будь-якої зацікавленої сторони.

Ніби народилася нова мистецька течія, виставка «Магічний фемінізм» відобразила відкриття цієї колективної жіночої мистецької уяви, яка досі була прихована від нас і лише нещодавно була відкрита. Ларреа запросила сучасних художників свого покоління, щоб показати роботи, натхненні цими новими жіночими посиланнями. Художниці Паула Ноя, Марія Гімено, Марія Марія Ача-Кустчер, Мª Кармен Гарсія ^Кламка^, Марина Варгас, Аврора Дуке та сама Діана Ларреа представили серію робіт живопису, фотографії, малюнку, колаж, скульптурні об'єкти та відео. Загальна мета полягала в тому, щоб продемонструвати особливий зв’язок і зв’язок із жінками-творцями минулого, зробити видимою їхню актуальність в історії мистецтва та щоб вони могли бути оцінені публікою як ключові та важливі мистецькі фігури на тому ж рівні, що й їхні колеги-чоловіки.

Поліцейська станція: Діана Ларреа

Грегоріо Прієто (Вальдепеньяс, 1897–1992) ніколи не тримав фотоапарата в руках, але він використовував його через своїх друзів, щоб створити своєрідну уявну біографію, фотографуючи себе в різноманітних позах і сценах, наповнених нарцисизмом і іноді тривожними, що виявило його глибоке захоплення греко-латинським мистецтвом.

Часто відвідуючи компанію великих поетів покоління 27, молодий Грегоріо Прієто навчався в Королівській академії образотворчого мистецтва Сан-Фернандо, перш ніж продовжити навчання в Парижі, а згодом, будучи студентом пейзажного живопису, в Іспанській академії в Римі в період 1928–1933 років. Саме в італійській столиці його пристрасть до фотографії розквітла в результаті його дружби з Едуардо Чічарро Бріонесом, фотографом, який також отримав стипендію з живопису. аматорський хто підтримував його з технічної сторони і з ким він задумав авангардні знімки, які складають перший з його фотографічних етапів.

Коли влітку 1936 року в Іспанії почалася війна, Грегоріо Прієто шукав притулку в Лондоні, де він оселився; Тоді він не міг уявити, що починає вигнання, яке триватиме понад одинадцять років, до кінця 1947 року. У ці роки в Англії він познайомився з іспано-англійським скульптором Фабіо Барракло, з яким відновить свою фотографічну діяльність там, особливо після повернення до Іспанії, починаючи з XNUMX-х років.

І на фотографіях, зроблених у Римі, і на пізніших фотографіях 1950-х років Грегоріо Прієто створює всі ці сцени, сповнені великої сучасності.

Поліцейська станція: Альмудена Крус Ябар

Наше нинішнє суспільство було визначено як суспільство іміджу. Знакове використання, яке в середині 20-го століття вийшло за межі засобів масової інформації до візуального мистецтва, і яке продовжує процвітати донині, де самі користувачі є розповсюджувачами фотографічного зображення.

Своїм офіційним народженням фотографія завдячує літографу Нісефору Н’єпсу в 1824 році, коли він винайшов геліографію (від геліограф-, сонце, і – графіка, письмо/зображення): отже, перший зв’язок між фотографією та мистецтвом друку був уже в самому зародженні досягнення фізичного представлення зображення, отриманого за допомогою використання об’єктивів.

Ця виставка досліджувала еволюцію використання фотографічних зображень у графіці; оскільки саме поліграфічне мистецтво було найбільш сприятливим для звіту фотографії про художній об’єкт. Його використання не лише в концептуальному, а й в естетичному полі завжди було еклектичним; Але ми могли б встановити загальну модель у навмисності з боку художників у використанні переданих образів: принцип розпізнавання, щоб сприяти прямому ототожненню глядача з твором.

«Перенесені образи» склали 60 робіт із колекції Музею сучасної іспанської гравюри (Марбелья), виконаних 45 авторами: Автори заявляють, що всі вони мають юридичну силу для іспанської мови.

Комісар: Німецький боррачеро

Люблю це симптом. Зміна в екосистемі візуального виробництва, яка виявляє існування нерегулярної поведінки, більше стурбованої тим, щоб вказати наше існування у світі, ніж показати світ. Встановлюючись у капіталізмі зображень – у його надлишку, доступності та задушенні – постфотографічної епохи, виникає наступне питання: чи можливо відчути емоцію відкриття?

Зіткнувшись із перевантаженням стимулів і численними реакціями, автор переслідує давнє бажання сучасності досліджувати незайманий ландшафт, який не був колонізований поглядом. Перестаньте бачити переповнену сцену. Чи не залишилося куди бігти? Чи можна прагнути до споглядальної самотності? Порожнеча - це мотивація, яка живе в уяві та штовхає фотографа до кожної подорожі. Навіть якщо це божевільна подорож, вигадка чи неможливість.

Люблю Це враження нашого часу, того глобального села, яке ми населяємо, де людська фігура виглядає злитою з фоном, як розведена істота. Знак, що висить на поверхні без порядку, гармонії чи ідентичності. Звідси й прагнення автора переїхати на нову незаселену територію. Можливо, далі, ніж будь-коли, можливо, поза цією реальністю.

Поліцейська станція: Мірейя А. Пуігвентос

20-ті роки завжди були оточені майже міфологічним ореолом.

Бурхливі часи в Європі після Першої світової війни сприяли творчому буму і водночас безпрецедентній економічній кризі. Не залишилася осторонь і Іспанія, зокрема Мадрид. Першою на той час газетою була ABC із середнім накладом 160.000 тис. примірників. Величезна популярність, якою газета користувалася, була в основному завдяки якості та різноманітності фотографій, будучи піонером у цій галузі.

Ця виставка має на меті показати, якими були ті часи в Мадриді, через огляд різних аспектів політичного, цивільного, військового, релігійного, культурного та соціального життя Мадрида того часу, як у столиці, так і в провінції. Цей проект висвітлив раніше неопубліковані та відновлені матеріали завдяки створенню цифрового майстра оригінальних архівів.

Комісар: Матіас Нієто

Виставка «Хесус Мадріньян. Тисяча ночей і одна ніч» представила три фотосерії, зняті між 2011 і 2016 роками, які досліджували конструювання ідентичності сучасної молоді.

Мадріньян фотографував невідомих молодих людей у ​​невимушеній та соціальній атмосфері, яка стала результатом його нічних вилазок за допомогою широкоформатної аналогової камери. «Good Night London», початковий проект, зображував міський і космополітичний Лондон, який контрастував із сільською та емоційно ближчою природою Галичини в «Boas Noites». Італійський досвід «Після Риму» став наступним кроком у технічному, культурному та поколінні дослідження Мадріньяна.

Ця тимчасова виставка була натхненна структурою пов’язаних історій у «Тисячі й одній ночі», щоб запропонувати оповідну нитку між трьома серіями, що об’єднує молодь Лондона, Галісії та Риму та завершується настанням світанку. Ніби це були три томи однієї роботи, кожну фотографію можна було б розуміти як окремий розділ, пов’язаний з усіма іншими з точки зору завершення та теми.

Загалом 36 робіт, з яких десять створено спеціально для цього проекту, виставка вперше заохочувала діалог між серіями та створювала тьмяну атмосферу, яка імітувала темряву нічних клубів, де були зроблені фотографії, запрошуючи глядача відчути себе на танцполі.

Поліцейська станція:  Монсеррат Піс Маркос

Як визначити співвідношення природного і штучного? Їхня дихотомія є відправною точкою для цієї виставки.

Ми живемо в час, який геологи визначають як антропоцен, оскільки він відображає вплив людини на землю. Епоха, в якій наш вид - це Homo Sapiens- був і здатний маніпулювати та поставити собі на службу значну частину тваринного та рослинного світу, домагаючись його максимальної продуктивності та продуктивності, а також спричиняючи радикальну трансформацію наземних екосистем, сьогодні дуже погіршених, враховуючи швидкість, з якою відбулися ці зміни.

У цьому контексті одомашненої природи варто запитати: де дика природа? Відповідно до цього питання, ми могли б запитати себе, чи потребує перевизначення сам термін «природне», яке розуміється як спонтанний продукт природи і контроль над людьми, як-от генетичні маніпуляції в медицині чи штучний інтелект, які сьогодні є настільки ж необхідними, наскільки їх сумнівають.

«Natural artificial» досліджував наші стосунки з природою очима кількох художників. Для цього. Були об’єднані роботи, в яких можна було спостерігати втручання, упорядковану та класифіковану природу, що розкриває стосунки між людьми та їх середовищем. Тіла, які кинули виклик культурним штампам і пов’язані з духовністю, яка випливає з надприродного або несвідомого, яка шукає джерела та відкриває двері, які ведуть нас у царство фантастики. Коротше кажучи, художники, які зібралися, досліджували різні точки зору, щоб зробити видимими та поставити під сумнів наші стосунки з природою через екологію, тіло та міф.

Поліцейська станція: Віолета Жанейро